Le mot de ce lundi est un peu particulier pour notre dictionnaire: nature morte. Nous découvrirons ensemble l’histoire de son affirmation et de sa diffusion, son utilisation dans l’art et l’ébénisterie et aussi quelques curiosités intéressantes.

Qu’est-ce que Still Life?

Tout d’abord, cependant, commençons par la définition. La nature morte est la représentation d’objets inanimés, qui sont traditionnellement principalement des fleurs, des fruits, des feuilles; Mais souvent, des animaux morts, des crânes, des instruments de musique ou autres sont également représentés. Il est réalisé avec toutes les techniques de peinture et sur toutes les surfaces : des fresques, peut-être comme des trompe-l’œil, plutôt que de l’huile sur toile et carton. Même les sculpteurs se sont aventurés dans ce genre, principalement en haut-relief et en bas-relief, mais les exemples ne manquent pas. Enfin, les natures mortes sont très fréquentes dans l’ébénisterie dans les éléments décoratifs du mobilier, tant dans les incrustations que dans les sculptures.

Une curiosité pour les natures mortes

Il est intéressant de noter que l’expression nature morte n’est pas seulement établie en Italie longtemps après que la tradition de représentation d’objets inanimés ait été consolidée, mais aussi que dans les pays du nord de l’Europe, tant germanophones qu’anglo-saxons, le correspondant est still life ou still leben. Les deux expressions jouent sur la même ambiguïté pour souligner le défi difficile de l’artiste sous des angles opposés. Le mot italien « nature » contient en fait l’idée de vie, et presque toujours les fleurs, les feuilles et les fruits sont représentés quand ils sont encore « vivants », mais coupés, donc proches de la mort. L’artiste a la lourde tâche de les rendre éternelles à travers son œuvre. L’expression anglaise, d’autre part, exprime exactement le même processus, mais en mettant davantage l’accent sur l’immobilisation de la vie. Mais voyons maintenant les origines et l’histoire séculaire de ce type de compétition de beauté et d’harmonie entre l’art et la nature, dont l’artiste devient un terrain de jeu, plutôt qu’un acteur.

Quelle est l’origine des natures mortes ?

Des traces de représentations d’objets et de choses minuscules ou naturelles datant de l’antiquité égyptienne, orientale, hellénistique et romaine nous sont parvenues. En particulier, nous connaissons la tradition romaine de la rhyparographia – peintures de choses de peu de valeur – et de la xenia – représentation de cadeaux pour les invités – mais elles ne correspondent pas exactement à la conception moderne de la nature morte. En effet, après le manque d’intérêt pour le Moyen Âge pour les représentations naturalistes, c’est à partir du XVe siècle que refait surface un intérêt pour les objets du monde naturel au goût flamand et à l’âge d’or de l’incrustation italienne. Mais ce n’est qu’à la fin du siècle suivant que diverses tendances conduisent à la fortune de la nature morte: la reprise des sujets classiques, la curiosité « proto-scientifique » pour l’investigation de la nature, la recherche de la simplicité comme alternative aux compositions emphatiques précédentes. Ainsi, au tournant des XVIe et XVIIe siècles, les peintures de sujets inanimés de la vie quotidienne se sont répandues de la Hollande à l’Italie. Malgré le mépris de la critique contemporaine, les exigences des clients bourgeois, qui apprécient le format réduit et les thèmes domestiques et profanes, sont prépondérantes.

Nature morte en Italie

En Italie, il est possible de dater précisément l’affirmation définitive de la nature morte en tant que genre de valeur artistique absolue. Le moment clé est vers 1596, lorsque le cardinal Borromée fait envoyer la Fiscella de Rome à Milan, aujourd’hui connue sous le nom de Canestra di Frutta , une œuvre merveilleuse du Caravage, encore conservée aujourd’hui à la Pinacothèque Ambrosiana. Depuis, tout au long des années 600, malgré les malentendus persistants et les dénigrements d’une partie du monde pictural, les natures mortes ont pris le dessus. Ce genre, comme mentionné, répondait également au besoin de la mentalité scientifique naissante d’avoir à disposition une reproduction aussi exacte que possible des caractéristiques végétales et animales. Parallèlement à cela, cependant, ces peintures depuis deux siècles utilisent également des références allégoriques, reliant chaque élément à une signification précise. Par exemple, les fleurs, avec leur fugacité, évoquaient le thème de la vanité, la précarité de tout. En général, le thème central est l’exaltation de la vie, tout en soulignant son caractère éphémère. Célèbre en ce sens est une fois de plus le panier de fruits du Caravage dans lequel une série de détails extrêmement réalistes sont reconnaissables: les trous dans les feuilles, un léger jaunissement de l’une, le pliage du début du séchage, un petit détail d’inacco sur la pomme rougeâtre. Jusque-là, les peintures représentaient la réalité l’idéalisant, le génie du Caravage était précisément d’introduire, par un réalisme extrême, le thème de la vie qui, étant vieillissant, décomposition, contient la mort en elle-même.

Un exemple de nature morte

Les natures mortes ont connu une période de déclin relatif au XVIIIe siècle, mais de grands maîtres tels que Cézanne et Van Gogh ont redonné vigueur et centralité aux natures mortes au XIXe siècle. Ce thème ne cesse d’être repris par de nombreux artistes à ce jour, comme en témoigne un tableau récemment arrivé dans nos entrepôts. Il s’agit d’une huile sur toile peinte par un descendant du noble Gonzaga, peintre du XXe siècle. Autodidacte – ou plutôt, comme il se serait défini, disciple de la Nature – il a son trait caractéristique dans la gestion talentueuse et habile des couleurs qui se combinent également ici pour créer une beauté harmonieuse et vivante. Il nous semble que ce panier de figues peut donner un sentiment de chaleur et d’hospitalité à une maison. Entre autres choses, vu le sujet, c’est très bien que ça nous soit arrivé au tout début de l’automne, vous ne trouvez pas ?